1972~ - Kozo Miyoshi
Weekday 11:00 - 20:00
Saturdays and Holidays 11:00 - 18:30
Sundays and Mondays Closed(Except for 2013.7.15)
Entrance Fee 800 yen for over 18

commentary
旅するまなざしと根をおろすもの、そしてさまざまな声
増田 玲 (東京国立近代美術館主任研究員)
「東 南西」
示されているのは二つの方角だ。方角が意識されるのは、いまいるこの場所とはちがうどこかについて考えるときだろう。その場所はここからみて、いったいどの方角にあたるのだろうか? 写真もまた「いま、ここ」ではない「いつか、どこか」の光景を私たちの眼の前に連れてくるメディアだから、写真には、それが東なのか南西なのかはさだかでなくても、かならず方角の感覚が内包されているはずだ。
三好耕三は旅する写真家である。これまでに発表された彼の写真の多くは、距離の長短の違いはあれども、何らかの移動のプロセスの中から生み出されてきた。だから三好の写真を見るときに、私たちの中には少なからず方角の感覚が呼びおこされているのではないだろうか。
実は、冒頭に記した「東 南西」とは、「Far East and Southwest: The Photography of Kozo Moyoshi」と題された三好のアメリカでの個展(Center for Creative Photography, The University of Arizona, 1994)のカタログや案内状に印刷されていた文字である。この展覧会は、日本で撮影された作品群と、アメリカ南西部にあるアリゾナ州ツーソンを拠点に撮影されたアメリカでの作品群から構成されていた。したがってタイトルを正確に訳すなら、「極東と南西(部)」とするべきところだろう。しかしアメリカのみで開催されたこの展覧会には、正式な日本語タイトルが設定されていたわけではなく、だから「東 南西」の三文字は、とりわけ日本語の読めない英語話者・読者にエキゾティックな印象を喚起する、多分にデザイン的な要素として用いられていたものだった。とはいえ、極東や南西部といった特定の場所や地方の名としてではなく、単なる方角を示しているように(日本語を読めるものには)受けとることのできるこの三文字は、三好の仕事のある本質的なものを示唆していたように思われる。
というのも、前述の通り、三好の写真は「旅=移動」を契機としているのだが、多くの場合、その旅=移動とは、特定の場所や目的のためのものである以上に、その過程で、予想しない何かに出会うためのものであるように思われるからだ。ときには海岸線に沿って車を走らせるという移動の仕方だけが設定されて旅が始まるように、その目的とは旅のとりあえずの方角を設定する口実のようにも見えるのだ。
そのことは今回の展覧会でもいくつかの作品が展示される、ルート66をたどる旅で撮影されたシリーズにも現れている。「In The Road」というタイトルでまとめられたこのシリーズは、1991年から足掛け6年に及んだ三好の滞米時の代表作だ。中西部の大都市シカゴから、西海岸のサンタモニカを結ぶ、アメリカ大陸を横断するかつての幹線は、今日では歴史的な景観をめぐる観光道路となっている。文学やテレビドラマ、ポップミュージックにもとりあげられるアメリカの文化的なシンボルともなっていることはよく知られている通りである。
こうしたテーマであれば、それをたどる旅は一遍のストーリーとして姿を成してもおかしくはない。しかも三好はその4000キロ近い道を、滞米中に何度も往復して、このシリーズを撮影したのだから、そうした歴史的、文化的背景を掘り下げながら、このアメリカにとってシンボリックな道を描き出すこともできただろう。しかし、旅する三好のまなざしはけっしてそのような特権的な位置をとろうとはしない。訪ねた土地の人々とあいさつをかわし、少しだけ時間をもらって、大きなカメラをすばやく組み立て、撮影し、またあいさつをして別れる。旅するまなざしは、ともすれば非日常的な性格を帯びがちだが、三好の場合のそれは、いつも礼儀正しく、訪れた土地の日常の時間を尊重し、それに寄り添うようにふるまう。
こうしたまなざしのあり方は、かならずしも初めから三好に備わっていたものではないようだ。そのことは今回の展覧会でも展示される、正方形のフォーマットを持つ初期作品と比較することで理解できる。たとえばボードウォークから砂浜にこぼれ落ちる光のダンスや、テトラポットを背景にレンズを見据える二人の男たち。それらは後の作品に比べれば、一点一点がはるかに劇的で、雄弁である。目の前にある光景の何かに魅せられてシャッターを切る写真家のまなざしも、一瞬だけ彼の前に開示される何かを見逃すまいと緊張し、より鋭敏で、より能動的だ。その違いとは、もちろん多分に手持ちの中判カメラと三脚に据えた大判カメラという、フォーマットの違いによるものなのだろうが、しかしそれだけではないように思われる。
その転換を考える上で興味深いのは、大判カメラをメインに使用するようになって間もない1980年代初頭から、10年ほどの歳月をかけてとりくまれた温室のシリーズだ。生家は園芸農家であるという三好にとって、温室とは慣れ親しんだ空間だ。そしてその空間の主役はもの言わぬ植物たちである。外界と隔絶された一見静穏なその空間に、実はさまざまな出来事が起き、そこにはひそやかな声が満ちていることを、そしてその声を聴きとるためには、植物たちの時間や存在の仕方に寄り添う必要があることを、彼は直感的に理解していたに違いない。植物がそうであるように、受動的に外界の光や湿度や風向きを感知すること。目の前の対象や、その場の空気に寄り添うようなふるまい方は、温室をめぐる旅の中で、植物たちのあり方に学ぶように、写真家のまなざしに少しずつ備わっていったのではないだろうか。
温室のシリーズと重なるようにとりくまれた「Roots〈NE〉」のシリーズも、まなざしの転換をうながしたという意味で注目される。ここでの主役は大根である。大判カメラの画面いっぱいに充満するようにとらえられた大根たちは、温室のシリーズの主役たちと同じく植物ではあるのだが、実に雄弁だ。ここではすでに、初期の作品に見られたような写真家のはりつめた感受性は後退し、むしろ被写体そのもののふるまいに多くが委ねられているようだ。
植物はその後の作品にも主要なモティーフとして登場する。アリゾナの砂漠に生えるサワロという巨大なサボテンや、毎年春に三好を旅へといざなう桜などである。それらは言うまでもなく、その土地に根ざし、年月を重ねてきた存在だ。そして三好が旅の中でそのまなざしを向けるものの多くは、そうした植物と同じように、その土地に根をおろし年月を重ねてきた人々であり、その暮らしをとりまく風景としてとらえることができるように思う。旅する写真家のまなざしは、そうした土地に根ざし、年月を重ねてきたものへの憧憬や畏敬の念を帯びる。写真の中に流れる時間は、旅する写真家のおかれた非日常的な時間ではなく、被写体の側に流れる、その土地に根ざした日常の時間へと転換する。
時間だけではなく、写真の中に聴こえてくる声もまた変化しているようだ。初期の写真には、どちらかといえば、世界が一瞬開示してくれる秘密を垣間見てはっと息をのむ、写真家の驚きの声だけがモノローグとして響いているようだ。それにくらべて大判カメラに移行してからの三好の写真には、徐々にさまざまな声が響きあうようになっていく。写真家はそれらの声に耳を傾け、少しだけ会話に参加する。写真の中の声はいくつものダイアログとして共鳴しあっている。そうしたさまざまな声と出会うためには、おそらく旅はきっちりした目的地や旅程を定めない方がいい。東なのか南西なのか、まずはとりあえずの方角を定めて移動を開始する。いったん動き出せば、あとはいつでも出会った相手の時間に寄り添える、開かれた心持ちで進むだけだ。
比較的多くの初期作品が展示される今回の展示では、まず私たちは若き三好耕三の瑞々しいまなざしや感受性のありようと、それらが共振した瞬間の世界の姿に出会い、写真家が心の中でひそかにあげたであろう驚嘆の声を、くりかえし聴くことになるだろう。そして三好のまなざしが転換していくプロセスをたどる。その先には、より被写体のふるまいに寄り添い、そこに流れる深い時間に順応する術を身につけた、成熟した写真家の旅するまなざしが出会ったものたちが待っている。そこにはひそやかでいて幾重にも重なりあうさまざまな声が響いている。もちろん私たちもまたその幾重にも重なりあう会話に加わることを歓迎されるだろう。
A travelling gaze, things rooted in the land and different voices
Rei Masuda (Curator of Photography, The National Museum of Modern Art, Tokyo)
“East, Southwest”
The title is a reference to two points of the compass. We become aware of points of the compass when we think about where we are situated in relation to somewhere else. When we look towards somewhere else from where we are situated, what point on the compass would that be? Because photography is a medium in which scenes, not of “here and now,” but of “sometime, somewhere” are brought before the viewer’s eyes, it is natural to expect a sense of orientation to be contained in photographs, even where it is uncertain whether that is east or southwest.
Kozo Miyoshi is a photographer who travels. A large number of his photographs thus far are the product of a process involving some kind of movement, although the distance travelled is may differ. So when one looks at Miyoshi’s photographs, a sense of a direction, a point on a compass is evoked within us to no small extent.
In fact, the “east, southwest” referred to at the beginning were the very words printed on the catalogue for and the invitation to Miyoshi’s solo exhibition in the United States titled “Far East and Southwest: The Photography of Kozo Miyoshi” (Center for Creative Photography, The University of Arizona, 1994). The exhibition consisted of photographs of America, taken while he was based in Tucson, Arizona in the American Southwest. If the title, therefore, were translated correctly, it should have been “Far East and Southwest (US).” The exhibition, held only in the United States, however, was never given an official title in Japanese and the three Japanese characters representing the words “east, south-west” were used liberally as a design element to invoke a sense of the exotic among, in particular the English-speaking audience who were unable to read Japanese. Nevertheless, the three characters, that would be interpreted by people who can read Japanese as merely indicating a point of the compass and not a specific place or location called “Far East, (the US) Southwest,” was thought to be an indication of the essence of Miyoshi’s work.
As described above, Miyoshi’s photographs are initiated from the idea of “journey equals movement” but in many cases, it is because, insofar as the journey is towards a specific place or for a specific purpose, it is considered to be for the purpose of encountering the unexpected. In the same way that we set out on a journey with just the means of that movement determined, such as driving a car along a coastline, sometimes the purpose of the journey and the direction in which we are going for the time being seem rather like pretexts.
This appears also in the series of photographs he took while driving along Route 66, several of which are featured in this exhibition. Titled “In The Road,” the series is one of Miyoshi’s representative bodies of work from the time, starting in 1991 and lasting six years when he resided in the United States. The road that goes from the large Midwestern city of Chicago to Santa Monica on the Pacific west coast, crossing from one side of the United States to another, has today become a tourist route featuring many historical places and landscapes, filled with well-known things that have become cultural symbols of the United States, seen and heard in literature, television programs and popular music.
If this is the theme, a journey that follows the theme is not at all strange even if it takes shape as one mass story. Because Miyoshi, during his time in the United States, shot the photographs for the series while travelling back and forth a number of times on the nearly 4,000 kilometer road, he was able to show the road as a symbol of America at the same time as unearthing its historical and cultural background. But the gaze of the travelling Miyoshi never attempts to occupy a privileged position. He exchanges greetings with the people of the land he visits, asks them for some of their time, quickly sets up a large-format camera, takes some shots, thanks them for their time and then departs. The gaze of the traveler tends to have an out-of-the-ordinary personality, but in Miyoshi’s case, he is always polite, respectful of ordinary time in the lands he visits, and by his behavior shows a willingness to get closer to them.
Miyoshi did not necessarily have such a gaze from the very beginning, something that can be understood by comparing his early square-format work also on display at this exhibition. For example, the dance of light spilling from the boardwalk onto the beach and the two men with their eyes glued to a lens, with tetrapods in the background. Compared to his later work, each of these early photos is dramatic and fluent. The gaze of the photographer also, as he becomes captivated by something he sees in the scene before him and clicks the shutter, becomes anxious about not letting whatever it is that has revealed itself to him in that moment escape, his senses becoming keener, more active. The difference between the earlier and later photographs is the difference in format, between the hand-held medium-format camera and the large-format camera that Miyoshi places on a tripod, but that is not the only difference.
The greenhouse series that he worked on for around ten years starting in the early 1980s shortly after he started using a large-format camera is interesting when considering that transformation. For Miyoshi who comes from a family of horticulturists, the greenhouse is a familiar space and the leading roles in that space are played by the plants that never utter a word. In this space of seeming calmness, isolated from the outside world, various things are in fact happening, and he no doubt intuitively understood the fact that the greenhouse was filled with secret voices, and the fact that, in order to be able to hear those voices, he needed to get closer to the time and the existence of the plants. The way in which plants detect the light, temperature and wind direction in the outside world in a passive way. During his journey around the greenhouse, the subjects before him or the way in which they behave in the process of adapting to the air in that place gradually became part of the photographer’s gaze, much like a study of plants.
“Roots <NE>” was designed to overlap with the greenhouse series and was noted for the fact that it encouraged the transformation of the gaze. The leading role in “Roots <NE>” is played by daion radishes. The radishes that fill the entire screen of a large-format camera are plants just like the subjects of the greenhouse series, but they are very eloquent. The photographer’s sometimes overwrought sensitivity that can be seen in his early work has receded and much of “Roots <NE>” is about the way in which the subjects behave.
Plants make an appearance as a major motif in his subsequent work, plants such as the giant Saguaro cactus that grows in the desert of Arizona and the cherry trees that entice Miyoshi on a journey each year in springtime. The plants are rooted in the land, where they exist year after year. What Miyoshi directs his gaze at most during his travels is people who have existed year after year, and like the plants, are rooted in their locale, which he thinks he can capture as the landscape that surrounds their lives. The gaze of the travelling photographer has a sense of awe and admiration for those who are rooted in the land where they exist year after year. The time flowing through the photographs is not the out-of-the-ordinary-time placed there by the travelling photographer. It is instead the time transformed into ordinary time, flowing alongside the subject and rooted in the land.
It is not only time but also voices heard in the photographs that are ever changing. If anything, in his early photographs, it is only the photographer’s exclamation of wonder, taking a sharp intake of breath upon seeing something of the secret that the world is prepared to disclose for a split second, that seems to echo as a monologue. The photographer turns his ear towards voices and participates in the conversation for a little while. The voices within the photographs are resonating as different sets of dialogue. It is probably better not to have an itinerary or a destination for your journey if you want to get closer to all those different voices. Will it be east? Will it be southwest? He decides on a direction to take for the time being and starts moving. Once he starts moving, the rest is just about going in a forward direction with an open heart and mind and getting closer to the time of whatever he may encounter at any given moment.
At this exhibition in which a comparatively large number of his early works will be on display, you will repeatedly hear the exclamation of wonder that the photographer must have released within himself upon encountering the world in a moment that resonated with the gaze and the sensitivity of a young Kozo Miyoshi. You also see the process of transition of Miyoshi’s gaze. Before that, the things that he has encountered are waiting – the things that the travelling eye of a seasoned photographer who becomes acquainted with how the subjects of his photographs behave, and learns the art of adapting to the deep time that is flowing therein. Different voices echo therein, secret voices that become layer upon layer of voices. We of course will be welcome to join the discussion that will become one of those layers.
biography
三好耕三(みよし こうぞう)
1947年生まれ。日本大学芸術学部写真学科卒業。1986年日本写真協会新人賞受賞。1991年より文化庁芸術家在外研修員として、アリゾナ大学センター・フォー・クリエイティヴ・フォトグラフィーで1年間研修後、引き続きアリゾナ州に滞在。1996年に帰国。現在、東京を拠点に制作活動を続けている。
近年の主な個展「YUBUNE 湯船」フォト・ギャラリー・インターナショナル<以下P.G.I.>(東京2013年)「櫻」1839當代画廊(台北2011年)「SEE SAW」P.G.I.(東京2010年)「SAKURA 櫻覧」P.G.I.(2009年)、「津々浦々」P.G.I.(2007年)、「Tokyo Drive 東京巡景」P.G.I.(2006年)、「Seagirt海廻り」P.G.I.(2004年)、 「SAKURA 櫻」P.G.I.(2003年)、「CAMERA 写真機」P.G.I.(2002年)、「Tokyo Street 横丁」P.G.I.(1999年)、「In The Road」P.G.I.(1997年)がある。2012年Amherst College Mead Art Museum展覧会「Reinventing Tokyo: Japan’s Largest City in the Artistic Imagination」展に参加。作品は東京国立近代美術館や東京都写真美術館、ジョージ・イーストマン・ハウス国際写真美術館(U.S.A.)、アリゾナ大学センター・フォー・クリエイティブ・フォトグラフィー(U.S.A.)、ヒューストン美術館(U.S.A.)などにコレクションされている。
Kozo Miyoshi
Born 1947. Graduated from the Department of Photography, Nihon University College of Art. Recipient of the 1986 Photographic Society of Japan Newcomer's Award. Remained living in Arizona after a year starting in 1991 at the University of Arizona, Center for Creative Photography under the auspices of the Japanese Agency for Cultural Affairs Overseas Study Program for Artists. Returned in 1996 to Japan, where he is currently based.
Recent solo exhibitions include “Yubune” Photo Gallery International (Tokyo, 2013), “Sakura” 1839 Contemporary Gallery (Taipei, 2011), “See Saw” PGI (2010), “Sakura” PGI (2009), “Far and Wide” PGI (2007), “Tokyo Drive” PGI (2006), “Seagirt” PGI (2004), “Sakura” PGI (2003), “CAMERA” PGI (2002), “Tokyo Street” PGI (1999), and “In The Road” PGI (1997). Participated in “Reinventing Tokyo: Japan’s Largest City in the Artistic Imagination” Amherst College Mead Art Museum (2012). His works are in the collections of the National Museum of Modern Art, Tokyo; Tokyo Metropolitan Museum of Photography; George Eastman House International Museum of Photography and Film (USA); Center for Creative Photography, University of Arizona (USA); and Museum of Fine Arts, Houston (USA) among others.
book information

三好耕三写真展「1972~」の開催に伴い、写真集「Kozo Miyoshi」を出版致します。
頭の中にあるイメージに誘われるように旅を続ける氏にとって、出会いの偶然はおのずと必然となる。三好がレンズを向けるその先には、自らの定めを悟っているかのように飄々とした表情で佇むものたちがいる。その気配や息遣いまでもが聞こえてくるような精緻なプリントが魅せる、静かなるモノクロームの世界。三好耕三の原点に迫る69点の写真を収めた一冊です。ご
購入をご希望の方は、当ギャラリーへご連絡ください。
「Kozo Miyoshi」 Kozo Miyoshi
出版
: 916Press & 赤々舎
価格
: ¥3,465(税込)
To coincide with the opening of Kozo Miyoshi’s photography exhibition “1972~,” the photography book Kozo Miyoshi is now available.
For Miyoshi, who continues to travel widely as if enticed by the images in his mind, chance encounters are an inevitability. Wherever he trains his lens, there seem to be subjects that linger with carefree expressions, as if having realized their own fate. So fine are his prints, which conjure a quiet monochrome world, that one can almost hear their presence and breathing. The catalogue contains 69 pictures that offer fresh insights into the origins of Kozo Miyoshi.
Kozo Miyoshi: Kozo Miyoshi
Published by 916Press & Akaaka
¥3,465( with Tax )
overview
1972~
三好 耕三
会期
: 8月30日金曜日 - 10月12日土曜日
開館時間
: 平日 11:00 - 20:00 / 土曜・祝日 11:00 - 18:30
定休
: 日曜・月曜日(9月16日、23日を除く)
入場料
: 800円、学生 / 500円 (Gallery916及び916small)
Cooperation : Photo Gallery International
作品のご購入に関してはギャラリーにお問い合わせください。
TEL:
03-5403-9161
/ FAX:
03-5403-9162
MAIL:
mail[a]gallery916.com
1972~
Kozo Miyoshi
Date
: 30 August, 2013 - 12 October, 2013
Time
: Weekday 11:00 - 20:00 / Saturdays and Holidays 11:00 - 18:30
Closed
: Sundays and Mondays (Except for 2013.9.16, 2013.9.23)
Entrance Fee
:800 yen / 500yen for students (Gallery916 & 916small)
Cooperation : Photo Gallery International
Kozo Miyoshi, the photographs
For enquiries regarding
the purchase of the photographs,
please contact the gallery.
TEL:
+81-(3)-5403-9161
/ FAX:
+81-(3)-5403-9162
MAIL:
mail[a]gallery916.com